Notre magazine Sex Mode & Digestion fête son premier anniversaire… Déjà 55 000 lecteurs réguliers chaque mois, 2 000 auditeurs chaque jour connectés sur Radio Sex Mode, 485 000 partages d’articles sur différents réseaux sociaux à travers le monde.

Sex Mode & Digestion c’est avant tout un ensemble de multiples collaborations de grandes qualités qui a su faire naître et vivre ce support hors norme, définitivement libre.

Pour célébrer cet événement les salons de The Art Room vous accueilleront…

A l’occasion du centième anniversaire de sa naissance, la galerie Denise René et cet automne, l’Institut Hongrois de Paris, rendent hommage à Nicolas Schöffer, un artiste précurseur aux talents multiples, musicien, peintre, sculpteur, théoricien, urbaniste et architecte, tout autant qu’infographiste et vidéaste avant la lettre, inventeur d’un art multimédia interactif en prise avec la ville et la société.

Espace, lumière, temps « les trois matériaux immatériels de la vie » constituent les dimensions fondamentales de son œuvre et en fonderont les trois étapes : spatiodynamisme, luminodynamisme et chronodynamisme. Inspiré par l’ouvrage du mathématicien Norbert Wiener, l’artiste utilise les nouvelles techniques électriques et électroniques pour rendre ses sculptures interactives. Schöffer recherche inlassablement la quête d’une dématérialisation de l’objet pour faire primer l’idée sur la matière qui n’est autre qu’un véhicule intermédiaire entre la pensée et l’effet de l’idée. Ces effets lumineux, mouvants, colorés sont la partie évanescente, quasi immatérielle de ses œuvres.

Mise en page et édition Angèle Fachan

La galerie Jérôme de Noirmont présente jusqu’au 12 mai 2012 “L’Être au monde”, une exposition de Claudine Drai. Pour la première fois au monde, des oeuvres en papier ont pu être transformées en statues de bronze. L’occasion de revenir sur le parcours et l’univers d’une artiste hors norme.
Parfois, ce sont des évaporations d’images. Des voiles tissés de brumes et de ricochets. Parfois, ce sont des chants et des batailles, des armes qui se tendent et qui se rendent, des canons et des fugues, des échos dans l’écho qui se prolongent et qui perdurent. Parfois ce sont du bleu, de la brique pour du sang, de la craie pour empeser le blanc des suaires, des atomes de suie ointe. Parfois, ce sont des temples très, très anciens, des labyrinthes comme des viscères, des lieux d’ombres que seules les ombres viennent éclairer. Parfois, ce sont des tableaux: des saynètes: des indices de mystères: des fragments de tragédies perdues puis oubliées. Parfois, ce ne sont que griffures et écorchures, comme si l’artiste creusait avec ses mains le papier et la terre pour en découvrir sous ses ongles les idéogrammes en guise de pelures. Parfois ce sont des échos dans l’écho qui se prolonge, des souffles qui aspirent et des bougies qui fument. Parfois ce ne sont que des mots au miroir des mots. Des séquelles de tournures. Des peaux mortes, des craquelures dont la ligne de faille s’ouvre comme des lèvres.

Presque toujours, ce sont des éruptions et des écoulements de lave, des formes happées qui s’en libèrent, des ondes de choc qui couvrent et qui en découvrent les matières, exactement à ce point d’impact, lorsque les mains de l’artiste lâche la figure et la reconnaît vraiment.

La galerie Since, nous convie à la découverte de l’univers de l’artiste Pierre Roy-Camille. La culture devient syncrétisme à partir de ses différentes racines tout comme son art assez indéterminable.
Il dessine avec une rigueur parfaite des lignes au feutre a l’huile sur des feuilles A3 de papier photo jusqu’à produire des grands formats. Les feuilles assemblées délivrent alors un paysage ou morceau de paysage avec une très grande élégance. Une œuvre fragmentée, mélange de signes abstraits pour parvenir au formel, où affleure parfois l’accident (quelques petites marques de corrosion viennent ponctuer la perfection graphique de la mine du feutre sur la brillance du papier photo) et renoue avec le faillible, le sensible. Pierre se réapproprie des codes appartenant à des cultures plus anciennes qu’il réinterprète par le filtre de la modernité. Il offre une œuvre empreinte de poésie, remarquablement exécutée, sous tendue par une idée de péril.

Le Grand Palais accueille en ce moment une rétrospective consacrée à Helmut Newton sous le commissariat principal de June, sa dévouée épouse, dépositaire de son œuvre. Plus de deux cents photographies de différents types et formats y sont présentées, passant de superbes séries polaroid aux formats monumentaux. L’exposition s’organise de façon chronologique jalonnée de citations notables venant sous tendre chaque thématique.
On y lit par exemple :- « Rien n’est plus dévoilant que la nudité, fut elle la nudité vêtue. »
Lorsque l’on évoque Helmut Newton, la première image qui apparaît, bien souvent, est celle des grands nus. Ces superbes amazones à la nudité conquérante, perchées sur de très hauts talons d’escarpins acérés fascinent et restituent de façon emblématique les années de pouvoir et de frime, de luxe et d’argent que furent les années 80. Forte d’une révolution sexuelle bien menée, elles s’incarnent en objet de fantasme suprême mais dans le paradoxe d’une posture dominante. L’impact visuel de ses noirs et blancs lumineux et contrastés, la sophistication de ces bourgeoises ultra raffinées, triomphantes véhiculent une esthétique sulfureuse, une sexualité charismatique et désirante. Helmut se ressent non en photographe mais en voyeur professionnel. Il compose une œuvre à partir ses fantasmes personnels et de sa vision de la femme. Il la désire forte, ce qui le sécurise, à l’image de celles qui ont marqué sa vie.

A l’occasionsion du festival Circulation(s), présenté du 25 février au 25 mars 2012 au parc de Bagatelle à Paris, sex mode & digestion vous emmène à la rencontre des artistes de la génération photographique européenne qui monte…
Qu’est ce qu’une rencontre ? Un contact, une interaction, une intimité dévoilée, un pont bâti par delà l’inconnu, vers l’Autre ? Une particule d’obscurité révélée ? Une ignorance mise à terre ? Un vide finalement comblé ?
Le travail photographique d’Eugenia Maximova évoque un voyage, un périple par delà ses propres frontières – une introspection itinérante et nomade pour un dépassement des préconçus et des barrières culturelles.
Une rencontre multiforme. Véritable célébration d’un mode de vie d’un autre temps, d’une différence, la photographie de cette jeune artiste bulgare nous invite à découvrir, le temps d’une errance visuelle, un autre quotidien ; un quotidien de l’autre.

Hospitalière, intime, chaleureuse, la série ‘Kitchen Stories from The Balkans’ surprend par la multitude quelle dévoile sans pourtant jamais tout à fait la montrer. Des intérieurs sobres, presque dépouillés, où s’invite parfois le kitsch et qui – au fur et à mesure des clichés – laissent peu à peu découvrir cette ambivalence culturelle propre aux pays n’ayant emprunté qu’il y a peu la voie du progrès, entre un traditionalisme encore fortement ancré dans les quotidiens et un modèle de société occidental qui semble obstinément chercher à s’imposer dans les foyers, comme pour gommer les spécificités et rattraper les retards.

Et cette semaine, petits chanceux que vous êtes, SMD met les petits plats dans les grands et vous propose une interview exclusive de Yusuf Sevincli, photographe turque au travail des plus remarquable et à la philosophie passablement démodée!
Yusuf Sevincli est en effet de ces rares représentants récalcitrants d’une photographie de l’instinct et de l’instant, de cette ‘vieille école’ d’esthètes qui pratiquaient l’art pour eux et non pour autrui, qui cherchaient au cœur de leurs angoisses profondes le matériau de leur création et qui voyaient en la pratique artistique un échappatoire à l’exil de soi ; la transcendance artistique non comme divertissement ou choix, mais comme obligation.
Des poètes, des écrivains, des peintres, des sculpteurs, des photographes dont l’objectif souverain, en lieu et place de la reconnaissance du plus grand nombre, résidait – pauvres illuminés hors d’âge, démodés et ‘As Been’ – en la reconnaissance de soi-même, l’achèvement personnel.

Son histoire a une nouvelle saveur. Âpre, austère et blessante. Sa cruelle mémoire intacte balance au gré de sa peine les amers souvenirs d’une longue vie douce. La mélancolie s’assied un peu plus profondément dans son cœur déchiqueté. Elle a mal à l’âme.

Mais, que s’est-il passé ? Hier encore, elle saoulait ses enfantins poumons d’un air iodé et estival tout en posant d’un air mutin et béat pour le photographe du jour. Elle jouait avec insouciance dans la froidure de sa campagne natale avant de se carapater près de la chaleureuse cheminée familiale. Elle apprêtait son corps aux jointures si fines et fragiles pour se rendre, belle et rayonnante de jeunesse, aux bals des villages voisins. Elle se laissait timidement étreindre par celui qui sera l’homme de sa vie, cachant derrière le noir de ses yeux les rougeurs qui lui montaient aux joues. Elle passait une robe immaculée au lendemain d’une guerre sanglante. Elle mettait au monde un fils. L’unique. La promesse d’un avenir à découvrir chaque matin.

A l’occasion du festival Circulation(s), présenté du 25 février au 25 mars 2012 au parc de Bagatelle à Paris, sex mode & digestion vous emmène à la rencontre des artistes de la génération photographique européenne qui monte…
Photographe documentaire belge de 32 ans, Thomas Vanden Driessche traîne sans relâche – et pour notre plus grand plaisir – ses godasses et son matériel argentique dans des milieux aussi divers que les industries minières de l’Inde, les clubs de polo, les régions sidérurgiques sinistrées de Belgique, les cercles de l’ultimate fighting ou encore de la danse sportive, pour nous délivrer une fresque surprenante, un hommage vibrant à la vie et à l’humanité sous toutes ses formes.
Digne héritier de la photographie documentaire américaine, Thomas Vanden Driessche s’inscrit dans le prolongement contemporain d’une facette du médium photographique à l’histoire complexe.

Les filles, en général, n’aiment guère les solos de guitare.

Elles les trouvent souvent prétentieux, égoïstes, trop longs; bref, sans véritable intérêt. Il est juste de reconnaître que l’exercice n’a pas toujours été ni sublimé, ni séduisant comme dans l’exemple que nous évoquerons ci après. Trop souvent trituré par des amants gauches trop pressés, ou des techniciens onanistes fatigués, le solo lassa.

Le soir du 18 juin 1967, Jimi Hendrix, dans le cadre du Monterey Pop Festival, allait en incarner le parfait contre exemple. Ce soir d’été fut en effet la scène de l’un des plus beau et puissant « climax » que l’histoire du rock ait connu

Appelez moi Mademoiselle

Plus qu’un simple substantif renseignant sur notre état civil, le mot « Mademoiselle » est comme une cure de jouvence distillée au rythme des douze lettres qui le composent. Une mélodie précieuse dont la sonorité disparaît normalement au moment où le flétrissement du visage devient un masque soudé à notre jeunesse perdue et pourtant si présente. Un poème mélancolique qui fait rehausser tendrement nos lèvres, tant le fait de l’entendre à notre encontre nous semble désuet et presque inapproprié.

« Mademoiselle » se meurt avec le temps qui passe. Pourquoi vouloir l’assassiner avant l’heure ?

Le 25 février s’est ouvert la deuxième édition du festival Circulation(s), manifestation consacrée à la nouvelle vague photographique européenne.
La photographie polonaise se porte bien. Mais si la Pologne présente indéniablement un vivier d’artistes conséquent et de qualité, rare encore sont ceux qui aujourd’hui ont la possibilité de s’exporter à l’étranger et de propager les couleurs de leur pays. Pawel Fabjanski est de ces rares ambassadeurs de la photographie polonaise hors de ses frontières, un de ces trop peu nombreux artistes qui ont la chance de pouvoir montrer au monde que la Pologne a des choses à dire et des oeuvres à montrer. Décryptage du travail de ce publicitaire pas comme les autres.

A l’occasion du festival Circulation(s), présenté du 25 février au 25 mars 2012 au parc de Bagatelle à Paris, Sex, Mode & Digestion vous emmène à la rencontre des artistes de la génération photographique européenne qui monte…

Si l’on se devait de décrire en un mot la série “Maet” de l’artiste danois Per Johanson, celui-ci serait sans doute “multi-émotionnelle”. Il est stupéfiant en effet de constater, à la vue de ces légumes et de ces chairs engoncés dans leurs bouteilles de lessive et de soda, l’enchaînement quasi clinique de sentiments et de réactions qui nous traversent et nous transportent.

Un étonnement tout d’abord, piqués au vif que nous sommes par la présence d’une laitue vigoureusement tassée dans son récipient de plastique ou de cet interminable boudin qui semble épouser les courbes de son contenant comme quelque mollusque recroquevillé dans sa coquille ; bien vite supplanté par le ravissement visuel, tant l’esthétique de la série est soignée.

Lorsqu’un passionné de chaussures pour homme décide de concevoir les modèles qu’il n’a jamais pu trouver sur le marché, cela donne « Purest Form », la première collection de Mr Hare ! On y retrouve des classiques du vestiaire masculin, vus par le prisme d’un Esthète Anglais… Fabriquées à la main en Toscane, par quelques uns des meilleurs artisans au monde…

The Art Room ou le plaisir des yeux. Articulé autour d’un « black cube » laqué et deux alcôves noires mates, ce cabinet de curiosités moderne et expérimental n’en oublie pas moins la finesse de l’artisanat grâce à des touches mobilières anciennes de qualité. Un mélange des genres réussi qui soutient visuellement une proposition artistique de premier ordre avec des projections d’œuvres créées par des artistes contemporains sélectionnées avec soin.

Écris au monsieur s’il te plaît….

Ecris-lui toi, ton cœur, ton âme… Ecris lui tes rêves par-delà les montagnes…Tes rêves de vie douce… Ecris tes soleils plein la tête…Tes balades dans les étoiles…Ecris lui ta vie… Ecris lui la vie… Ecris lui les caresses de folles chimères…Fais le rêver… Fais rêver le monsieur…

Il est seul le monsieur… Seul devant son écran noir… Dans ses nuits blanches…

La Fog Galerie dédiée à la création artistique émergente nous invite à découvrir l’artiste André Fortino dans une exposition monographique très rock’n roll. Artiste performatif dans un travail personnel sur le corps, André s’inscrit dans cette génération contemporaine qui flirte avec tous les mediums pour exprimer une pensée, une revendication, une expérimentation. Nous pouvons découvrir ici des vidéos de ses performances filmées de même qu’une série de peintures.

Iris Van Herpen nous convie à une beauté chaque fois renouvelée.
Tout est organique, onirique entraînant un déploiement structural.
Comme une succession de phases de synthèse permettant un renouvellement et une croissance cellulaire de son ADN.
Les matières sont hautement organisées comme des cellules constituées d’unicité dense délimitée par de multiples membranes.
La division cellulaire aboutit.

Paris, semaine de la Mode Masculine… Les collections automne hiver 2012/ 2013… Le défilé Bernhard Willhelm au Trianon dans le 18ème arrondissement… Ce créateur est toujours plus expérimental et expérimenté dans ses collections, sa mode est en marge de placer les dictats sous le couvert de l’exploration… C’est dans une liberté exacerbée que cet aventurier du style nous présente ici un vrai voyage à travers les années Malibu 92.

Paris, semaine de la Mode Masculine… Les collections automne hiver 2012/ 2013…
Le défilé John Galliano au 13 de la rue Dalou dans le 15ème arrondissement.
Bill Gaytten, diplômé de la Bartlett School of Architecture de Londres qui a , durant 23 ans travaillé au studio de création aux côtés de John Galliano, signe ici une collection tout droit sortie d’un monde de gangsters jusqu’aux stars américaines du sport, comme illustrés par Leyendecker JC et Norman Rockwell.

Où se termine le design et où commence l’art ?
Le designer Lila Jang a créé ce canapé ambivalent. Quatre pieds reposent au sol et quatre autres pieds trouvent appui contre un coin de mur, à la façon d’une étrange chenille qui entamerait sa lente procession. Il réinvente une méridienne autoproclamée, en une métaphore de l’instabilité, de la précarité en mouvement.
Cette œuvre nommée sobrement « canapé » a été sélectionnée pour faire partie du Parcours Saint-Germain, exposition artistique se tenant à Paris. Tout de blanc et d’élégance vêtu, il correspond à cette vision fantasmatique du meuble organique, de l’objet vivant…

Le Mac Val accueille pour sa première exposition monographique en France l’artiste visuel danois, résidant à New York, Jesper Just.Il aime à manier le langage et les codes cinématographiques avec lesquels il joue dans le champ des arts plastiques, ce qui lui offre une totale liberté créative, jusqu’à remettre en question l’idée même de représentation. D’une esthétique envoutante, il distille des images raffinées et extrêmement référencées pour créer des situations, mise en contexte de personnages, où l’émotion nous étreint de façon saisissante. L’artiste manipule les clichés du cinéma pour nous offrir une œuvre complexe d’où chacun peut projetter ses propres fantasmes. Il met en scène des situations, sans jamais les dénouer, se jouant du pacte narratif. En l’absence de définition d’une intrigue, en l’absence de caractérisation des personnages, les images ne livrent que la matérialité des affects qu’ils éprouvent.Jesper Just crée ainsi d’énigmatiques et ambitieux poèmes visuels empreints d’onirisme et de questionnements intérieurs.

Après s’être attaqué aux cellules adipeuses d’une partie du monde occidentalisé soucieux de son taux de cellulite et de graisse, le célèbre nutritionniste Pierre Dukan s’est lancé un nouveau défi amincissant : celui du « bien-être » des bacheliers français. Pour se faire, il propose d’instaurer une option « poids d’équilibre » au bac qui favoriserait les élèves capables de maintenir entre la seconde et la terminale un indice de masse corporelle (IMC) compris entre 18 et 25. Entre les mathématiques et le français, il devrait donc y avoir dans le monde parfait de Dukan, la pesée. De quoi serrer l’estomac de n’importe qui se souvenant de son passage dans l’antre du paraître, de la compétition et du catalogage : le lycée. De quoi policer encore un peu plus les corps et les personnalités en maintenant les individus dans une approche physique de la réussite. De quoi enfin nier le bonheur d’être de personnes ayant quelques kilos en trop ou en moins et n’entrant pas dans la fourchette lénifiante de l’indice de masse corporelle.

Une double paires de collant pour gainer les hanches et maintenir les fesses hautes. Ou des porte-jarretelles et des bas pour enserrer dans des lames textiles des cuisses généreuses et capitonnées. Une ceinture pour marquer la finesse fabriquée d’une taille égoïstement croissante avec le temps. Une épaule nue pour détourner le regard sur une rondeur assumée. Un soutien gorge à balconnet pour maintenir dans la cohésion deux masses entrainées par la gravité. Ou à l’air libre pour éviter un harnachement inutile au vu de la petitesse des sphères et, guetter avec plaisir la perdition d’un œil mâle. Des talons vertigineux pour grandir dans la douleur une silhouette moyenne et fixer un ensemble dans sa longitude. Une jupe courte pour féminiser une allure trop lourde. Ou un pantalon pour assujettir toute adiposité rebelle, désireuse de s’étendre et de se multiplier à l’infini…

Larry Clark, passionné dès son plus jeune âge par la photo, s’intéresse au mouvement « underground » américain des années 60. Il a réussi à exhiber dans son travail toutes les catégories sociales, personne n’est épargné, il dénonce le puritanisme d’une Amérique profonde. La force de son art est de tout pointer sans concession et sans tabou. Néanmoins, le paradoxe demeure constant et se traduit de manière différente, il ne fait que jongler avec lui. Il nous expose, à priori, une Amérique où toutes les libertés sont possibles mais on y perçoit seulement de façon concluante un pays néo-conservateur.

Il compare la génération de la parenthèse enchantée à celle d’aujourd’hui, sans transition possible. Dans ses premiers films, la jeunesse est totalement livrée à elle-même, elle n’engage aucun dialogue avec les parents, elle se doit d’enfreindre les lois pour se sentir plus libre. Finalement, il est question d’une génération qui n’accepte pas l’état adulte, elle nous renvoie à un mécanisme de défense constant. Dans ses débuts, Larry Clark, a perçu toutes les subtilités d’un mal-être et nous livrait une jeunesse enrichie par un capital anxiogène très prononcé.

Musée du jeu de Paume -Paris du 18/10/2011 au 05/02/2012. Diane Arbus est un être à part dans la photographie américaine de la seconde partie du 20 éme siècle, qui aurait misé sur cette jeune femme au regard vert issue d’une famille juive New-Yorkaise aisée pour devenir une photographe à l’œuvre unique trouvant l’étrangeté dans le familier et dévoilant parfois l’intime à l’intérieur de cette même étrangeté ? Faisant ses premières armes dans la Mode (dont sa famille était issue grâce au célèbre magasin de fourrure Russek) Diane, également surnommé Dee-Ann, commence par travailler près d’une dizaine d’année aux côté de son mari Allan Arbus –avant de se lancer dans une carrière personnelle. Allan lui offre néanmoins son premier Rephlex et l’encourage, ils décident d’un commun accord de faire route séparée quelques temps après la naissance de leur fille. Après la séparation d’avec son époux, Diane commence à développer un oeil de plus en plus personnel délaissant la mode et les commandes d’Esquire ou du Harper’s Bazaar pour produire un travail qui relève davantage de l’anthropologie contemporaine que du journalisme.

Artisan de l’anamorphose, héritier de Jean Dibbets et de ses perspective corrections, Georges Rousse est un artiste de l’in situ – marque de fabrique de toute une génération des années 1960-1970 -, dont l’oeuvre et la vision se situent aux frontières photographiques, en étirent la définition, en bousculent les principes fondamentaux. Magnifiant les espaces, altérant les perspectives, Rousse plonge – par le jeu du trompe l’oeil monumental – les lieux et les volumes dans un fictionnel uchronique, une réalité réinterprétée et aux frontières labiles dont il laisse toujours au regardeur le soin de faire l’élégie. Laissant libre cours à l’analyse innocente, c’est à dire débarrassée de tout à-priori, ces espace clos, déconnectés du sensible rationnalisé, invitent à la réflexion – la réflexion formelle tout d’abord, introspective et conceptuelle ensuite.

C’est un territoire étrange à l’équilibre précaire, quand il ne bascule pas pour de bon. Les lignes de perspective s’enchaînent et se déchaînent, s’effondrent à la manière d’un jeu de mikado géant et qui serait l’espace lui-même, un peu comme si tous les chevaliers des tableaux de Paolo Ucello formaient une sorte de mêlée de rugbymen dont ils ne pourraient désenchevêtrer leurs lances. Dans Decompressor, le tableau éponyme de l’exposition, des barres d’immeubles s’écroulent les unes sur les autres à l’arrière-plan, comme si la terre se dérobait sous leurs fondations suite à un tremblement de terre ou à une explosion. Le second plan accumule une multitude de débris colorés comme après le passage d’un raz-de-marée. Omerta dépeint quant à lui un paysage de guerre, avec voiture en flammes et tirs d’artillerie. Dans la grande majorité des tableaux, l’espace ne se signale que par des oppositions entre aplats de bleus clairs et foncés, traités un peu comme s’il s’agissait d’une aquarelle. Toutefois, la dominante bleu lavande et bleu de Prusse des tableaux, avec parfois un rehaut de turquoise, renforce l’atmosphère d’indistinction chaotique. Car même les perspectives, au lieu de prolonger ou d’approfondir l’espace, semblent au contraire l’arrêter, le circonscrire, par derrière et devant, en prenant soin de nous exclure de ce grand renfermement et nous renvoyant de facto au statut de voyeur.

L’incendie criminel contre Charlie Hebdo n’est qu’un énième épisode contre la liberté de parole que cristallise et symbolise depuis la Révolution française le droit de blasphème. Ce n’est pas un hasard si les principales victimes en sont les artistes et les diffuseurs de leurs oeuvres. Un nouveau pas vers une censure concertée, compréhensive, ou peu ou prou délibérée ?
Dans la Tunisie nouvellement libérée, ce 7 octobre 2011, la diffusion du film d’animation Persépolis de Marjane Satrapi et Vincent Paronnaud, provoque la colère des islamistes salafistes. Une semaine plus tard…, une fatwa est émise et des manifestations très bien organisées soulèvent les rues de Tunis. Chauffée à blanc par des Imams, la foule réclame justice, c’est-à-dire vengeance à l’encontre de Nabil Karoui, directeur de la chaîne de télévision privée Nessma, jugé coupable d’avoir autorisé la diffusion du film. Un groupuscule saccage et incendie sa maison. La famille a juste le temps de s’enfuir, sauf une domestique, battue par les furieux au point de devoir être transportée à l’hôpital en urgence. Quelques heures plus tard, le directeur de Nessma est convoqué par un juge et sommé de s’excuser pour avoir porté “atteinte au sacré” en ayant autorisé la diffusion d’une séquence jugée blasphématoire parce qu’elle représentait le dieu des Musulmans sous l’aspect d’un vieillard à barbe blanche. En fait, si l’Islam interdit en théorie toute représentation de la divinité et par assimilation même celle du prophète Mahomet, c’est la nature même de la figure présentée par Marjane Satrapi qui est contestée. Son Allah ressemble en effet trop à celui des Chrétiens, tel que le peint Michel-Ange sur les murs de la Chapelle Sixtine ou encore Nicolas Poussin dans le Printemps. Pire encore, ce sont ses faux airs de Père Noël, symbole du consumérisme américain, qui choquent le petit peuple des grands croyants tunisiens. Mais peut-être est-ce précisément ainsi qu’une enfant de Téhéran se figurait par assonance ce Dieu invisible auquel elle voulait s’adresser ?

Une terrible beauté est née.
Un titre impactant résumant l’esprit de la 11ème biennale d’art contemporain de Lyon.
Un titre emprunté à un vers du poème de Yeates Pacques 1916 qui aborde la question du doute et la force du paradoxe.
L’exposition engage à réfléchir sur la densité du présent, sur le pouvoir de l’imaginaire, du visionnaire et de l’hallucinatoire. La commissaire Sud-Américaine Victoria Noorthoorn regroupe 68 artistes du monde entier, principalement venus d’Europe, d’Amérique Latine et d’Afrique. Elle compte quatre lieux d’exposition: L’emblématique sucrière réaménagée originellement pour la biennale, le Musée d’Art Contemporain de Lyon et, nouvellement, l’usine désaffectée TASE qui apporte sa force chaotique comme écrin, de même que quelques œuvres dans une thématique de l’utopie à la Fondation Bullukian.

Le temps d’un après-midi, Léa se dévoile de façon libre et affranchie, c’est avec beaucoup d’humilité et de sincérité que l’actrice, la femme nous fait part de sa vison des choses…

Il ne laissait que quelques mètres entre lui et les soldats. Il attendait l’instant, le moment où les visages changent, où la douleur s’installe, où la peur se lit dans les yeux. Henri Huet était photographe de presse. Pas de ceux qui suivent les meeting politiques ou qui captent les tracas d’un quotidien somme toute tranquille. Non. Il était de ceux qui se plongent sans retenue dans les méandres de l’âme humaine en temps de guerre. Ses guerres, c’étaient celles d’Indochine puis du Vietnam, le pays où il était né. Celui où il mourrait en exerçant son métier. Henri Huet avait fait les Beaux-Arts de Rennes. Avant d’être photographe, il était peintre. Il en avait gardé le sens de la construction, la faculté de transfigurer l’horreur, la capacité d’être un esthète les pieds enfoncés dans la boue et les yeux rivés sur la désolation. Henri Huet avait ce don de faire de la guerre un art visuel où le beau tient tête à la monstruosité de l’Histoire. Il ne comptait pas que sur la force des événements pour accrocher l’attention d’un lectorat bloqué bien loin de cette réalité. Il rajoutait sa patience, sa passion, son œil. Celui qui lui permettait de saisir la composition parfaite, de capter les états d’âme des soldats comme ceux des vietnamiens et de transmettre au reste du monde cette dure vérité : celle de l’enlisement de la première puissance mondiale dans un conflit qui broyait sa jeunesse et malmenait une population vietnamienne innocente.

L’artiste citoyen du monde Mircea Cantor est le gagnant du prix Marcel Duchamp 2011, récompensant les artistes les plus novateurs de leur génération.
En juste témoin de notre époque, son œuvre aime à manier le symbole qui peut trouver son incarnation de façon totalement protéiforme, que soit par l’installation, la sculpture, la vidéo ou meme l’edition. Il questionne avec délicatesse sur la pérennité, la filiation, la mémoire et transcende les réalités les plus brutales de nos mondes en mutation en jouant sur le paradoxe.

Il ne s’agit pas ici d’évoquer le scintillement de la pierre précieuse ou la création rare et raffinée qui sertit un bijou, mais bien du bon vieux caillou, solide et rustique, ce rocher immuable que nous escaladons au bord de la mer ou cette pierre plus politique jetée au visage d’un opposant.
Elle recèle tant de mystères cette pierre, qu’elle traverse l’histoire de l’art comme une météorite passible de nous révéler les orientations telluriques d’un espace d’exposition.

Pour sa 38ème édition la fiac passe sur un format différent, en se concentrant entièrement sur le grand palais et en investissant hors les murs des œuvres dans le jardin des tuileries et le jardin des plantes. En effet, l’habituel chapiteau de la cour carrée du Louvres qui abritait en son sein les jeunes galeries est fermé pour cause de travaux. Trois galeries a l’étage, situées sous verrière et communiquant entre elles par des rotondes ont été mises a disposition par le grand palais afin de permettre d’accueillir outre les galeries émergentes, une sélection de galeries internationales prescriptrices de tendance et les galeries soutenues par le groupe Lafayette.

A la découverte d’un parcours initiatique, ambitieux et résolument contemporain, nous allons tenter l’expérimence Trakers , exposition monographique de l’artiste mexicain vivant à Montréal, Rafael lozano-Hemmer, se tenant à la Gaité Lyrique.
Elle se conçoit comme une œuvre à part entière composée de treize pièces. Mixant techniques de détections et explorations audio visuelles en temps réel, Rafael Lozano Hemmer propose de matérialiser la surveillance informatique en transformant l’observation technologique de manière tangible. Loin d’être le reflet d’une morale sur le caractère orwellien des dispositifs de surveillance, la notion paranoïaque du « voir sans être vu », il les détourne pour créer des œuvres spectaculaires et participatives en insufflant sa vision et son sens plastique qui se teinte aussi parfois d’une touche de poésie ou même d’érotisme…

J’observe la brillance fébrile de ce regard où se mêlent surprise et incompréhension, ce regard qui fouille, remue hystériquement les méandres de sa mémoire rétinienne à la recherche d’une analogie, d’un indice de prévalence et je m’interroge : quel nom donner à cette époque où l’entraide simple, le service rendu pour lui-même est devenue une notion si séculaire qu’elle entraîne la suspicion de celui-là même qui la convoque ? Combien de refus cet homme a t-il essuyé avant que nos regards ne se croisent ? Le timbre même de sa voix, ce timbre mécanique, trahissant l’automatisme machinal d’une supplication devenue instinctive à force de répétition se tord sous les accents de la résignation : la résignation d’un refus accepté comme la continuité naturelle d’un dialogue écrit par avance. Il m’embrasse, me serre dans ses bras, ses yeux sont humides. On connaît tous l’histoire de cet homme, nous en sommes tous les acteurs. Cette histoire c’est celle d’un abandon, d’un désespoir devenu quotidien, d’une douleur sourde, uniforme, larvée. C’est l’histoire qui se répète et que l’on tait, l’histoire de nos coups de cuissardes sur la dignité d’un homme à genoux. C’est l’histoire d’Olivier…

On se sent comme une putain dans une rue sale et poussiéreuse. Autour de nous, il n’y a que tumulte, cri, effroi et marchandage. Les gens passent, jettent un œil, quelques uns s’arrêtent, négocient, se délectent d’une main glissée sur notre peau. Nous sommes entièrement nue et nous n’avons pas peur. Cette nudité est la seule chose qui nous appartienne vraiment. Elle est nous. Nos fragilités, nos forces, nos angoisses, nos désirs, nos rêves. On peut tout lire sur ce corps. Notre être s’est fixé sur cet épiderme. Il vieillira en même temps que la peau, changera d’état, s’enrichira de rides, de cicatrices, de tâches, d’hématomes. Nous n’avons pas peur de cet étalage de vie. Peut-être qu’un jour, quelqu’un s’y reconnaîtra. Nous avons juste peur de l’autre. Celle qui est à côté de nous. Elle gesticule, nous manipule, crie à en perdre haleine. Elle soupèse nos seins, vante nos capacités sexuelles, fait l’apologie de notre chevelure, de ce corps marqué. Elle nous cherche un propriétaire avec force. Elle veut nous vendre. Elle l’a vu avant nous. Elle n’a pas vraiment compris ce que il voulait mais il était un client comme un autre…

La polémique autour d’une application pour smartphone serait-elle révélatrice d’un retour des tendances homophobes, comme en témoignent l’interdiction de la Gay Pride en Serbie et le suicide du jeune Jamey Rodemeyer, 14 ans, aux Etats-Unis ? Être ou ne pas être, juif, noir, gay, amoureux des pâtes ou des vieilles pierres… telle serait encore et toujours la question, du moins à en croire la multiplication des applications pour smartphones destinées à vous révéler à vous-mêmes ou à vous dénoncer aux yeux des autres. Ces pseudos enquêtes ou tests psychologiques n’ont rien de nouveau. Chaque semaine, les magazines féminins regorgent et dégorgent de questionnaires existentiels destinées à vous permettre de savoir quelle Italienne ou grande amoureuse vous êtes ? D’autres vous promettent de vous dire si vous préférez en vérité le cocooning ou la campagne ? comme si vous n’étiez pas capable de connaître vos goûts ou à les déterminer par vous-mêmes.

Comme son nom l’indique, le film de Jerry Schatzberg, est le portrait d’une femme, celui de Lou Andreas Sand, interprétée admirablement par Faye Dunaway. Le personnage principal mis à nue sous tous les plans. Un film sorti en 1970, et représenté cette année au festival de cannes dans la sélection classique du festival, en salle depuis le 28 septembre, et à ne manquer sous aucun prétexte… Le cinéaste nous dresse le récit de la vie d’une femme, celui d’un ancien mannequin broyé et déchu. La narration est contée par la voix off de Lou qui dépeint sa vie à un ancien ami photographe. Reclus dans une maison près de l’océan, la muse se livre sans concession, elle se soumet au jeu de l’interview enregistré, c’est sur une bande audio qu’elle y dévoile ses sentiments, ses impressions, ses douleurs sous forme d’associations libres telle une séance d’analyse en continue…

Semaine de la Mode Parisiènne…. Les collections Prinptemps – Été 2012…. En quelques années, Nicolas Gesquière a su littéralement redonner vie à l’œuvre de Cristobal Balenciaga. Cette saison encore le créateur s’inspire des codes de la maison tout en les revisitant avec une modernité absolue, il reste fidèle à sa filiation stylistique. C’est toujours un jeu de contrastes avec des silhouettes épurées et magnifiées par une ornementation mesurée et savamment composée. La dualité s’incarne dans les différentes lignes structurées avec des formes graphiques, géométriques et d’une souplesse exquise.

Septembre…. En France….. Paris… La semaine de la Mode…. Les Collections Printemps – Été 2012… Le défilé Amaya Arzuaga à La Cité de la Mode et du Design dans le 13ème arrondissement. Amaya Arzuaga, apprivoise depuis quelques saisons déjà la volumétrie, le système structurel dans ses collections. Une audace par son architecture et les émotions qu’elle suscite. Ses structures raffinées, évolutives et facettées se déploient dans une arborescence d’une pureté diaphane. Cette fois encore elle nous dévoile sa trame porteuse, une enveloppe charnelle qui évoque une mue imaginaire….

Septembre…. En France….. Paris … Semaine de la Mode…. Les Collections Printemps – Été 2012… Le défilé Manish Arora à La Cité de l’Architecture et du Patrimoine dans le 16ème arrondissement.
Ce créateur adulé de la mode est fortement influencé par ses origines indiennes, son patrimoine, comme il l’aime à le souligner à travers la couleur, la musique, Bollywood et toutes notions emblématiques du luxe indien…. La source de ses premiers attachements. Une seule et même collection, très Comic Street alliant une scénographie à la Russ Meyer avec comme maîtresse de cérémonie Rossy De Palma. D’un humour ravageur, séduisante, sexy et sulfureuse à souhait…

Septembre…. En France….. Paris … La semaine de la Mode…. Les Collections Printemps – Été 2012… Le défilé Peachoo + Krejberg à La Cité de l’Architecture et du Patrimoine dans le 16ème arrondissement. Le duo Peachoo +Krejberg est né en 2004 de la divine association de Peachoo Datwani et Roy Krejberg. L’univers de ce projet est devenu le centre d’innervation motrice et sensitif où leurs références, leurs styles et leurs codes sont une approche architecturale du vêtement. Les techniques modernes et artisanales se côtoient intimement. Ils ne croient pas à une inspiration particulière dans leurs collections mais d’avantage au temps et aux influences. Cette saison, le contraste des volumes et des proportions se déploie ici dans l’ allure; une inspiration qui fait référence à l’âge d’or d’Hollywood, réinterprété et largement modernisé…

Une goutte d’eau dans l’océan de la parité homme-femme en Arabie Saoudite. Telle peut être l’analyse de la récente attribution du droit de vote aux Saoudiennes. Ces dernières ont désormais le privilège jusqu’alors exclusivement masculin de glisser leur enveloppe dans l’urne lors des élections municipales, seul scrutin existant dans le pays. Mieux, elles peuvent se présenter comme candidates à même de peser dans la vie politique et être désignées par les autorités pour intégrer le conseil de la Chourra, une assemblée consultative qui offre ses recommandations au monarque en matière de politiques publiques. Mais tout ceci prend du temps. Tellement de temps, qu’elles n’auront toujours pas accès à l’isoloir lors des prochaines élections et qu’elles devront attendre 2015 pour faire valoir leur nouveau droit. Le roi Abdallah explique son geste paritaire par le refus de « marginaliser les femmes dans la société ». Un discours improbable, voire exaspérant, lorsque l’on sait qu’une saoudienne doit demander une autorisation écrite à l’homme de la famille, le mahram, pour sortir de son domicile, toujours accompagnée d’un homme, ou pour avoir un emploi. Qu’elle ne peut pas contracter un prêt, louer un appartement à son nom, réserver une chambre d’hôtel, prendre un billet d’avion…

Londres se métamorphose. Marteaux-piqueurs, grues, tractopelles, la ville se laisse doucement envahir par des fourmis travailleuses électriques. De quoi lui faire une beauté. De quoi accueillir les Jeux Olympiques de 2012 avec splendeur et éclat. Parmi ces transformations, l’une d’elles peut passer plus inaperçue. Il s’agit du lifting de la gare King’s Cross, joyau technique de l’ère victorienne. Et l’architecte John McAslan en charge de ce chantier, ne s’y est pas trompé. Réutiliser les bâtiments existants tout en les restaurant fait partie de ses plans. Si bien que la façade Sud réalisée par Lewis Cubitt en 1852 et cachée au public depuis 50 ans va être de nouveau visible par tous. De la même façon, les hangars, les plateformes et le noyau central de la gare doivent être rafraîchis et adaptés à la nouvelle situation stratégique de King’s Cross, point de départ pour les régions du Nord de l’Angleterre et voisine quasi siamoise de St Pancras où arrive l’Eurostar. Sur la façade Ouest, c’est la modernité qui prend le pas sur le XIXème siècle.

Nous ne connaissons que son nom. Laurent. Attablés à une table de PMU quelconque, lunettes noires sur le nez pour épargner notre migraine, nous sirotons des verres de rosé. On refait le monde. Notre monde. Etriqué, dérisoire, faiblement humain. On y croit au moment où les mots sortent avec désordre de notre bouche. On analyse. On tente de trouver des solutions misérables à nos problèmes insignifiants. On souffre avec modération. Juste de quoi animer la conversation. Juste de quoi sentir encore nos artères vibrer. On ne le sait pas encore mais le désespoir habite l’homme installé à côté de nous. Il boit, seul. Ecoute les bruits de la ville, du quotidien tumultueux. Il nous écoute. Sans jamais perdre le sens de sa réalité. Sans jamais oublier que ce verre sera le dernier. Que demain sera noir. Néant. Vivants, on regarde les passants. On rigole entre deux crises existentielles. Deux fumisteries. Deux gorgées. L’espoir est encore accroché à nos pores. On le teste depuis longtemps mais il vit, s’émancipe, copule, se propage, ne lâche pas sa proie fragile. Il s’attarde dans nos larmes et réanime notre être. On sourit. On savoure les bellâtres qui défilent devant nous. On accepte nos faiblesses. Nos blessures à venir. Nous sommes forts. Pourtant près de nous la vie s’échappe. Sans que l’on s’en rende compte, elle se débat. Une dernière fois. Elle veut continuer, s’épanouir. Voir plus loin. Et s’il le faut, s’accrocher à ces deux individus quelconques. Elle y croit, remue, s’agite. Ils sont là, négligeables mais sensibles, anodins mais accessibles. Pourquoi ne pas leur lancer l’ultime appel ?

Nul bruit sinon l’écho d’un battement persistant, et presque adouci: le vent feule par un carreau brisé puis empoigne les barricades de sécurité comme le ferait un gymnaste. L’humidité est ici une froidure, un rideau de fraîcheur sous lequel on se drape les belles après-midi d’été. De temps en temps, on se retourne, en croyant avoir entendu un bruit. Mais non, c’était juste une idée. On s’assure, on se rassure. Reste toutefois cette odeur qui insiste, qui persiste, métallique et caoutchouteuse, comme un dépôt de poussières froides, sur laquelle plane, plus intense et plus vague, celle du vide des grands volumes de l’usine, comme s’il en allait de deux liquides de densité différentes l’émulsion provoquée par le chahut de nos pas. Nous avançons de salle en salle avec des précautions et des pudeurs d’église.

Salvador Mateu est un designer aux intentions multiples. Le styliste, costumier, chapelier, photographe et céramiste est un ancien élève de la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne. Il compte parmi ses collaborations, le grand Pedro Almodovar, Ray Loriga, Milos Forman, Jean-Pierre Jeunet et bien d’autres… Sous un angle structurel et monochromatique ses réalisations prennent toutes leurs ampleurs, se manifestant dans un espace où tout axes de symétrie s’exposent. La symétrie c’est l’espace, telles sont les lois harmoniques de ses diagrammes de dentelles noires.

Inspiré des planches d’anatomie et de dissection, aussi bien que de photos érotiques qui l’ont nourri dès son plus jeune âge, un mélange de sexe et d’effroi, le dessinateur aime dire quand on lui demande ce qu’il fait : «Je suis dans le médico-lyrico-érotico léger ».Etre authentique, l’énigmatique Pascal Pillard nous livre un univers poétique et dérangeant à-travers ses carnets de croquis, laboratoire intime privilégié où l’immédiateté se dispute l’espace avec l’élaboration la plus aboutie. Croquis de nus, fantasmes érotiques, portraits rongés par un sombre acide, pensées jetées, composent un élixir d’une extrême pureté qui nous est livré sans retenue. Pour sex mode & digestion, l’artiste se met à nu.

Le dernier Almodovar explore la thématique du corps ainsi que ses transformations, impliquant la question de l’identité et de la transgression implicite. La première partie du film relève d’un thriller horrifique, nous exposant un homme mystérieux et glacial joué à la perfection par Antonio Banderas. Le personnage principal expérimente sur un corps féminin, la création ambitieuse d’une peau transgénique. La caméra déambule et s’attarde intelligemment sur les nombreux objets et ustensiles chirurgicaux, une esthétique froide et maîtrisée. L’objet médical en tant qu’outil actif est ici un élément à part entière. Le cadre est parfait, l’ambiance et les tensions sont palpables… Attardons-nous sur les personnages, car comme d’habitude chez Almodovar leur constitution psychologique est des plus jubilatoire…

Tendance Sex Friend : du nouveau dans l’organisation affective de l’individu. La rentrée au cinéma se fera sous le signe du sexe sans amour avec des films comme : « Sexe entre amis » ou « Sex friend ». Pourquoi un tel engouement pour cette nouvelle pratique amoureuse qui fait pourtant fi de tout investissement amoureux ? Une explication pourrait résider dans le fait que notre monde est de plus en plus vif et incisif, du fait de la pression sans cesse croissante vers la réussite professionnelle, l’individu se doit effectivement d’être sans faille et toujours constant ou en progression. La relation amoureuse étant un très important facteur de déstabilisation car elle implique souvent un éloignement de l’individu des contingences purement matérielles, évidemment ne pourrait on pas en effet se contenter «de vivre d’amour et d’eau fraiche»?…

C’est en Turquie, au Istanbul Museum of Modern ART que je découvre l’artiste Lale Tara, une installation et une scénographie laissant son libre champ à l’œuvre investie. La photographe Turque Lale Tara nous présente sa dernière exposition « Substituts Innocents », la plasticienne se concentre cette fois-ci sur une thématique principale consacrée à la Madone et l’Enfant, elle articule les fragments possibles entre culture et religion. Son discours juxtapose la notion de l’espace et le déplacement du syllogisme. Tout comme la psyché et sa capacité transcendantale à guider l’être humain, arrêté dans une certaine situation vers une situation nouvelle. L’artiste explique et raconte la fonction de ses substituts : « les sexy dolls constituent des copies bi-dimensionnelles ». Des copies qui s’incarnent dans l’objet sexuel anaphorique dite poupée gonflable moderne, ou d’autres dimensions plastiques se jouent du symbolique. En effet ces répliques féminines et maternelles, innocentes figures inspirées, dont une magnifique version de la Vierge Marie en est des plus crédibles… L’inclusion de nos fantasmes projetés dans les histoires qui nous sont racontés, prouve ici, que la transgression est bien réelle.

Le métier de super-héros, c’est entendu, est une affaire de poing…. Côté comic strip, ça fait Vlam ! Ça fait Splatch ! Et ça fait Chtuck ! Parfois, ça peut même faire très mal. Surtout lorsqu’il est mal placé. Et pour le coup, chez Marco Mancassola, ça fait Wizz!. Dans son roman La Vie sexuelle des super-héros, Batman se fait littéralement uppercuter l’anus lors d’une séance de fist-fucking dont il a pourtant en apparence l’habitude… Sans compter que ce renversement du héros pénétrant en victime pénétrée s’accompagne d’un outing de la relation de la chauve-souris et du jeune Robin. La démarche de désacralisation de nos icônes par l’auteur italien est des plus inattendue. Nos super-héros ne sont plus seulement les fers de lance des valeurs de l’héroïsme version patriotique ou universaliste. Ils ont désormais des secrets. Et des lourds. Psychopathes, vengeurs et pédés. Shebam! On pourrait se réjouir que les super-héros assument enfin leur sexualité. On les voyait venir avec leur string sur combinaison moulante. Mais l’homo doit-il être forcément un narcissique fisté comme le Batman de Mancassola ? Pas si facile d’être gay chez les super-héros…. Heureusement, nous n’avions pas attendu l’auteur italien pour faire sortir les super-héros du placard et c’est sans passer par le détournement libidineux version porno de Patrick Fillion…

Née fille. Devenue femme. Femme fatale. Femme au foyer. Femme d’affaires. Née fille il y a une vingtaine d’années. Bien après la bataille. Bien après les suffragettes, les soutiens gorges brulés, le manifeste des 343 salopes, le MLF pur et dur, les faiseuses d’anges. Oublié le mari pour cautionner le travail de son épouse. Oublié le père pour consentir à un mariage raisonnable. Oublié l’homme pour être une femme respectable et une mère à part entière. Nous sommes nées filles. Devenues femmes. Nous devons désormais accéder à la déité. Etre amie, amante, épouse, mère, femme de ménage, PDG, banquière, organisatrice de voyage, psychologue, institutrice, cuisinière, intellectuelle pas trop bavarde. Et à nos heures perdues, alcoolique, gogo-danseuse, stripteaseuse, putain, mannequin. Nous méritons tout. Et pourtant, nous devrons faire des choix. Renoncer par la force des choses. Accepter l’amertume de la vie, des rencontres fades, des obligations, des aléas. Alors, on examinera les autres femmes, vivantes et souriantes, essayant sans méchanceté aucune de détecter la faille, jalousant leur perfection affichée. On les observera aux bras de leurs époux, les yeux allumés par la présence de leurs progénitures, savourant avec une pointe d’orgueil leurs réussites sentimentales et professionnelles. Et, on regardera notre ventre toujours vide, notre verre bien trop plein, nos mains depuis longtemps esseulées. On tentera de visualiser notre avenir, un avenir qui pourrait ressembler à leur présent. En vain. Accrochée à une cigarette, on serrera les dents, feignant d’accepter à 100% notre état de femme libre. Notre état de femme.

L’architecte Jürgen Mayer H. voulait offrir à Séville une cathédrale démocratique ouverte à tous. Ne jurant que par le dogme de l’architecture, c’est grâce à une structure monumentale s’épanouissant sur 11.000 mètres carrés, qu’il y est parvenu. Le Metropol Parasol est sorti de terre en sept ans, arrêtant sa course vers les cieux à 28 mètres de haut. Car il s’agit aussi de ciel dans cette histoire : six corolles protègent les citadins du soleil étouffant qui s’abat sur Séville tout en leur offrant une balade aérienne au dessus de la ligne d’horizon de la ville.

Premier long métrage d’Eva Ionesco, « My little princess » expose un duo fracassant entre une mère tyrannique et une fillette désarmée. Caléidoscope d’indentification et de projection au service des intentions sadiques et perverses d’une mère face à l’image de son enfant. S’inspirant de sa vie réelle, Eva ionesco nous conte ici un récit stupéfiant et authentique. Petite fille, elle pose telle une muse, sans aucune concession pour sa mère photographe. Dérangeant, troublant le film nous porte dans les méandres du sadisme moral sans pour autant se perdre dans la provocation et la dénonciation. Eva nous livre un conte fantasmagorique où règne la pulsion de mort, la manipulation et la rigidité, le tout traité subtilement sous un angle psychanalytique. Les limites seront celles d’une enfant face au besoin de l’amour d’une mère…

Juillet… En France… En Avignon… Le Festival… ou plutôt le Festival dans le Festival… 18, rue Guillaume Puy… Au théâtre du « CDC – Les Hivernales »… Entendons là, le Centre de Développement Chorégraphique, qui a son « Festival Les Hivernales » et qui s’associe au Festival d’Avignon avec son action estivale « 100% danse ‘’Quand les régions s¹en mêlent…‘’ Cet été, donc, le CDC accueillait Daniele Ninarello… Daniele a seulement 28 ans et en 10 ans, il a eu un parcours de danseur tout à fait impressionnant auprès de plusieurs chorégraphes internationaux dont Megumi Nakamura, Tabea Martin, Meekers Uitgesprokendans…Depuis 2007, il développe sa propre recherche chorégraphique, il intervient dans le champ de l’Art Performance, de l’expérimentation et c’est en tant que chorégraphe et danseur, avec le spectacle « Man Size – Non (Leg)Azzioni », qu’il était, cet été, en Avignon… En fait, il s’agit plus précisément de deux formes courtes, deux chorégraphies réunies en un seul spectacle, deux chorégraphies comme si l’une était la réplique de l’autre…

Juillet… En France… En Avignon… Le Festival…116, rue Carreterie… A « La Caserne des Pompiers » s’est joué « 4.48 Psychose »… Dans ce spectacle sont abandonnés les codes du théâtre conventionnel, dans le fond et dans la forme, Benjamin Duval le metteur en scène investit le champ du théâtre avant-gardiste… Dans le fond, tout d’abord, le texte « 4.48 Psychose » de Sarah Kane, n’est pas un scénario…Nous n’allons pas nous lancer dans de l’ « analyse sauvage », pourtant le lien, entre l’histoire de vie de l’auteur et l’histoire du personnage de la pièce, semble évident… Sarah Kane a écrit « 4.48 Psychose» dans une période de grande dépression, un an après elle s’est suicidée tandis que le personnage de l’histoire, en grande dépression, est hantée par l’idée de se suicider et va être internée en hôpital psychiatrique… La structure d’écriture du texte est posée avec des schizures, il est composé de 25 textes, 25 fragments, sans unités de forme, sans un développement d’actions évoluant parallèlement au temps…

Juillet… En France… En Avignon… Le Festival… 56, rue du Rempart Saint Lazare… Au « Théâtre du Rempart »… « Bent »… C’est un moment « sensible » de notre histoire qui est abordé avec cette pièce par le biais d’histoires individuelles… Celles de Max et de Rudy tout d’abord… Rudy, le danseur qui fait vivre le couple avec de tout petits moyens financiers…Rudy, le fataliste, qui accepte tout, c’est la destinée qu’il s’est choisie, on le verra par la suite… Et Max, qui mène une vie dissolue … de débauche… qui ramène ses amants à la maison alors que Rudy s’isole pendant ces moments là… Max qui, sans aucun doute, cherche déjà à échapper à son destin…en refoulant ses sentiments envers Rudy, en s’oubliant dans la cocaïne et l’alcool…. On est à Berlin… dans les années 30…dans une Allemagne fragilisée économiquement et politiquement, Hitler va installer peu à peu le régime nazi avec le soutien du plus grand nombre… Et c’est la « Nuit des longs couteaux »… Alertés Max et Rudy se sauvent…Ensembles, ce sera pourtant à chacun de sauver sa peau…Et le drame se joue pour le couple… Max est ensuite fait prisonnier à Dachau…Il est enfermé dans un camp de travail où il va rencontrer Horst…

Juillet… En France…. En Avignon… Le Festival… 116, rue Carreterie… A « La Caserne des Pompiers »… C’est le nom du théâtre !!!… Il s’y joue « La cantatrice chauve »… En allant assister à ce spectacle, on ne s’attend évidemment pas à aller se voir jouer classiquement une histoire, avec des tenants et des aboutissants complexes…Ionesco, l’auteur, étant considéré comme un des parents du Théâtre de l’Absurde, « La cantatrice chauve », la pièce, étant considérée comme purement comique, l’auteur avait quand même bien précisé que « le comique semble être l’expression de l’insolite »… Et on est complètement dans l’insolite avec cette cantatrice chauve !!!… Un insolite drôle !!!…Evidemment !!!… Ajoutons à cela une mise en scène complètement rock and roll, non pas au sens du courant musical proprement dit mais de l’état d’esprit « rock and roll », dans une atmosphère burlesque avec en fond l’univers punk anglais qui rencontre le chant lyrique, et nous assistons à une extraordinaire « cantatrice chauve » !!!…

Juillet… En France….En Avignon…. Le Festival…. 13, Rue du 58ème R.I.…. Au Théâtre « L’Antidote »… L’antidote ???… Le spectateur viendrait-il chercher un remède ou un allègement en allant au spectacle ???… En tous cas, il y est question de « L’araignée dans la plaie », spectacle écrit par Matéi Visniec et mis en scène par Dejan Ilic. On sait qu’il s’agit de la mort du Christ, car on a vu les comédiens participer aux parades dans la ville. On les a vu, quasiment nus, juste vêtu d’un linge autour du bassin, cachant leurs parties intimes, on les a vu couverts de sang… Et pourtant, en entrant, à peine installés, c’est un premier choc pour nous, les spectateurs…. On n’est plus dans une salle de spectacle, on est à Jérusalem, au pied du Mont Golgotha… Mont Golgatha ou encore Mont « aux crânes », lieu réservé aux crucifixions il y a de cela un peu plus de deux mille ans… On va assister à la crucifixion du Christ… Il est là, sur sa croix… De part et d’autres, les deux larrons… A partir de là, l’auteur s’autorise quelques libertés avec l’histoire originelle, ces deux là sont devenus Humil et Bégar… Le metteur en scène instille de son expérience cinématographique au spectacle, ainsi, les trois croix occupent tout l’espace, en gros plan, le sang jaillit de la bouche du Christ appelé, ici, «celui qui est blessé au flanc »… Le sang jaillit et c’est l’angoisse de mort qui nous éclabousse !!!…

Juillet… En France….En Avignon…. Le Festival…. Rue Guillaume Puy…. Au « Théâtre du Balcon »… Avec « Voulez vous danser, Gainsbourg ? », le spectateur va très vite comprendre qu’il est le témoin, le témoin d’une invitation de Octavio de la Roza à Serge Gainsbourg… Octavio de la Roza, rappelez-vous, c’était chez Maurice Béjart, le héros du Boléro… Oui, ce beau brun ténébreux !!!… Aujourd’hui, toujours félin, sensuel, il rappelle Gainsbourg dans l’univers de la danse. Il entre sur scène, en jean et veste blanche, tout comme Gainsbourg le faisait… Il porte le micro sur l’épaule, tout comme un baroudeur porterait son sac… Ce micro, plus qu’un micro est un personnage, le personnage presque central du spectacle…

Juillet… En France….En Avignon…. Le Festival…. Rue des teinturiers…. Au Théâtre « Le Chien qui Fume »… Une scène… dépouillée de tous décors et accessoires qui seraient superflus…Le Cirque des Mirages… Seuls les éclairages habillent l’espace… Fred Parker au piano, Yanowski au micro… Un duo, qui dès les premiers instants nous emporte, nous transporte dans un univers fantastique, fantasmagorique. Dans la tradition « authentique » du cabaret théâtre, avec sa musique, son théâtre, sa danse, ses mîmes, Le Cirque des Mirages est un spectacle résolument moderne, les thèmes traités y sont d’une extrême actualité.

Les artistes sont comme des marins: ils préfèrent suivre le courant des puissances dominantes. Au XIX e siècle, le monde de l’art est Européen. Au XXe, il est américain. Le XXIe siècle sera-t-il asiatique ? Bombay, Delhi, Shanghai, Pékin vont-elles devenir les nouvelles capitales de l’histoire de l’art comme le furent Paris, Londres, New-York ou Los Angeles ? Telle aurait pu être l’ambition de la nouvelle exposition que présente le Centre Georges Pompidou, Paris-Delhi-Bombay: établir un dialogue et peut-être une passation de témoins entre l’ancien monde occidental et la nouvelle puissance asiatique, en nous faisant découvrir non seulement des artistes indiens mais aussi de nouveaux mouvements artistiques…

Ce soir, on se laisse couler en splendeur. On prend quelques heures pour lâcher prise. Le chemin vers la perdition est engageant, facile à emprunter, familier. On peut y aller les yeux fermés, trainant avec soi une autodestruction ponctuelle bien accueillie. On connaît les étapes. La réserve des premiers instants autour d’une bouteille de vin, l’excitation de la danse entrecoupée d’alcools forts, la capitulation au milieu de la nuit d’un esprit face à un corps imbibé et en constante déshydratation de spiritueux. On aime ça. Toucher du doigt le concept de liberté.

Depuis plus de 10 ans, Chloé grise et galvanise les clubs du monde entier avec un son éclectique allant de l’électro à l’acid house. Dj et productrice, elle revient pour Sex, Mode & Digestion sur son parcours, sa créativité et sa grande passion : la musique. Un prélude écrit avant une explosion auditive le 16 juin à Londres, date à laquelle Chloé mixera en guest pour la première soirée du magazine Sex Mode & Digestion.

Est absolument formidable l’évidente simplicité et la clarté des enjeux du nucléaire, qu’on ne veut pas voir. Le dix-neuvième siècle a connu le couronnement de Nobel pour avoir fait passer le pouvoir humain de la détonation (poudre noire) à l’explosion (dynamite) – simple question de vitesse de propagation et de puissante de transformation d’une substance en une plus grande quantité de gaz, passant par l’échauffement. Le vingtième siècle n’a pas encore son prix équivalent – quoique Einstein soit bien placé, mais personne ne l’ose encore -, et pourtant l’ont vit le passage de l’explosion simple à un autre type d’animation physique : le nucléaire.

Le sexe et le coeur dans des bas de lycra
Se prêtent au jeu de la parition
Et si parfois de monnaie les hommes sont ingrats
Ils volent des oreillers et des pantalons

L’artiste investit les écuries du 104 pour y déployer un labyrinthe en tôle cartonnée qui se transforme et s’adapte à chaque nouvel environnement depuis sa création en 1969. Rattaché à l’Arte Povera, terme donné par un critique d’art dans les années soixante pour définir un groupe d’artistes italiens unis par une sensibilité commune, M. Pistoletto s’attèle à produire des oeuvres, pour la plupart évolutives, en les recréant à chaque nouvelle exposition. Ainsi, toute idée d’oeuvre originale et tout attachement à l’oeuvre d’art en tant qu’objet sont à exclure, la démarche de Pistoletto valorisant l’idée, le comportement et la pratique événementielle, à l’objet en tant que tel.

Un film vertigineux qui nous transporte dans plusieurs univers sans respecter ni ordre, ni chronologie… Véritable jeux de la perception temporelle. Saluons au passage le talent technique de l’érudit, la poésie et la magnificence des plans qui nous sont livrés sur la nature et les hommes. A contrario, ennuyé et agacé voir exaspéré par la construction d’un thème récurrent voué à une quête divine.

C’est dans le cadre de sa manifestation d’envergure Monumenta que le grand palais propose à l’artiste britannique, d’origine indienne, Anish Kapoor d’investir la nef de son édifice. Cette installation-sculpture aux dimensions gigantesques s’y déploie entièrement, à la façon d’un étrange astronef organique, tout en rondeur et en épure. L’œuvre tant attendu se nomme Léviathan, un monstre marin terrifiant de la mythologie phénicienne, ou reference à l’enfer dans la Bible, une nouvelle métaphore du gouffre et du féminin, cher à l’artiste.

La nuit tombe. Les yeux s’ouvrent. Il faut s’activer, laver enfin ce corps triste. Le brûler à l’eau chaude pour ramollir ses chairs et ses ardeurs. C’est là que l’on voit les traces laissées par l’homme de la nuit, ses griffures, ses rougeurs énigmatiques, ses bleus. On aimait bien ça avant. Cela faisait partie du jeu de la vie. Prendre du plaisir là où il y en a sans honte, sans réfléchir, sans laisser de numéro de téléphone. On avait réussi à museler son coeur pour qu’il ne se blesse pas en s’emballant trop fort. On avait réussi à se lover dans une neutralité émotionnelle qui nous semblait salvatrice. Où est partie cette tiédeur réconfortante des lendemains sans passion, sans questionnement, sans destruction? Disparue.

Symboles puisés au fin fond de l’inconscients collectif pour atteindre un idéal de juxtaposition. Une dernière collection qui ne va pas sans nous rappeler le courant des expressionnistes abstraits pour qui la pensé, les émotions, les sentiments ainsi que la réflexion s’interprète au travers du prisme de l’abstraction.

Derrière ce qui s’apparente à un barbarisme digne d’un SMS d’adolescent attardé se cache peut-être la meilleure idée de l’année. Laurent Lebot et Victor Massip, designers chez Faltazi et créateurs d’EKOKOOK nous aident à décrypter ce mot qui sent bon le concept écolo.

La chromie ouvre le champs plastique de l’univers de ces deux photographes argentins Sophia Sanchez et Mauro Mongiello. Peu après leur arrivée à Paris, c’est sans les prévenir que leur agent de photographe: Charlotte Flossaut les inscrit au Prix Picto 2002 des Jeunes Photographes de Mode. Ce dernier leur est attribué avec succès, s’en suit alors la rencontre avec Jérôme Sens et une exposition au Palais de Tokyo. Cet arcane composé d’une articulation à quatre mains n’en est pas moins faite de réactions collatérales.

L’œuvre qui fait scandale, selon ces catholiques mécontents, est le Piss Christ, une photographie réalisée par le photographe Andres Serrano présentée au Musée Lambert dans le cadre d’une exposition intitulée « Je crois aux miracles », œuvre qui côtoie de nombreuses autres œuvres de nombreux autres artistes. Mais c’est le Piss Christ qui pose problème, la photographie représente un crucifix baignant dans l’urine de l’artiste. L’organisateur à l’initiative de cette manif est « l’institut Civitas, une œuvre de reconquête politique et sociale visant à rechristianiser la France ».

Ni sainte, ni politique, la guerre de Princess Hijab est artistique et philosophique. Armée d’un feutre, le visage recouvert de longs cheveux noirs, l’artiste se meut la nuit tombée dans les couloirs du métro parisien à la recherche de publicités aguicheuses. En quelques secondes, elle dégaine son arme encrée et pare les visages des mannequins d’un voile, laissant, selon son envie, quelques parties du corps dénudées.

On croyait la taxidermie réservée aux têtes de sanglier ou aux caniches de nos grand-mères en deuil… On l’imaginait exercée par des hommes dans des ateliers sanguinolents… On la pensait destinée à se retrouver dans des maisons de chasseurs ou des Museum d’histoire naturelle poussiéreux… Et bien, l’erreur est humaine !

Au départ, il y a une rencontre. Celle du cinéaste Wim Wenders et de la chorégraphe Pina Bausch. Un désir. Celui de filmer l’ancienne danseuse et sa compagnie du Tanztheater Wuppertal dans leur quotidien. Un artifice moderne capable de rendre toute la puissance et la délicatesse de la danse sur un grand écran en 3D. Mais Pina Bausch est morte d’un cancer foudroyant en 2009. Wim Wenders a abandonné son projet. Jusqu’à ce que le souvenir de son amie devienne bien trop présent. Jusqu’à ce que les danseurs de la compagnie réussissent à le convaincre d’aller au bout de ce souhait formulé à deux.

Après les toiles du peintre Jean-Michel Basquiat cet hiver, le MAM de la Ville de Paris revient à une proposition plus conceptuelle en dédiant une rétrospective au collectif canadien General Idea.
Fondé en 1969 à Toronto par AA Bronson, Felix Partz et Jorge Zontal – le collectif adopte délibérément un nom générique pour échapper à la figure de l’artiste solitaire et starisé

Trames Urbaines, collages numériques
Philippe Fabian nous invite à le suivre à travers les méandres de ses voyages, dans les vastes métropoles internationales. Il tient depuis une dizaine d’années un journal photographique de paysages, notamment urbains. Il a sélectionné dans ces images des détails d’immeubles de Paris, Berlin, New York ou Londres. Dans le prolongement de ses œuvres photographiques, déjà retravaillées par traitement numérique, il pousse encore plus loin la quête plastique par un jeu de trame, une épure de composition maniant la saturation chromatique jusqu’à produire une complète abstraction picturale.

Walter Pfeiffer est né en 1946 à Beggingen en Suisse, c’est à l’âge d’environ 24 ans que le photographe exhibera le début de son travail au cours des années 70, période clef pour une œuvre singulière dédiée à sa vision esthétique et subversive de l’anatomie masculine. Les photos de Walter Pfeiffer symboliseront la libération du corps, le besoin de l’individu de ne plus cacher, ni dissimuler ce qui le constitue, une réponse aux dictats bourgeois d’une époque fondamentalement divisée.

Object: Escarpins en python gris de la maison Sergio Rossi

Marchons sur la psy

Prenons un homme. Pas au hasard tout de même. Sigmund Freud, le maître de la Psychanalyse. Ajoutons un concept célèbre postulé par ce génie des rouages inconscients : l’objet. Imaginons alors spontanément un objet qui – quel qu’il soit – sera assimilé de facto au plaisir et à la satisfaction.

L’ensemble d’habitations Robin Hood Gardens, dans le quartier d’East London, fait l’objet d’une grande polémique et de nombreux articles publiés non seulement dans des revues d’architecture, mais également dans la presse de grande diffusion, les tabloïds et même dans le New York Times. Ces articles portent sur l’avenir incertain de ces habitations, construites en 1972 par les célèbres architectes anglais Alison et Peter Smithson.

L’univers de Seelenkleid s’inscrit dans un engagement conceptuel, associant une vision de la beauté idéale à un changement perpétuel. Une nouvelle proposition poétique et subversive dévoilée lors de la semaine de la mode Parisienne en septembre 2010.
Ella Haberlachse est une créatrice de mode préoccupée par la question suivante : « Les besoins réel du vêtement peuvent-il être satisfait par des formes et des contours produit par l’imaginaire? »

À la fois douce et résolument à part, pour ce premier numéro de Sex Mode & Digestion Kourtney Roy signe deux séries de mode. C’est ici qu’elle nous raconte le sens de son travail, c’est dans une véritable démarche plastique au-delà, de l’iconographie classique que Kourtney chasse, et traque cette Autre…
Toutes celles qui sont en elle, celles qu’elle tente d’apercevoir à travers ses multiples mises en scène… Ses songes cultivent l’étrange et la beauté, édifiante telle une artiste, c’est d’elle-même dont elle se sert…

En poussant la porte de la galerie Frith Street, je suis curieuse de découvrir Plura, la dernière vidéo de l’artiste irlandaise Daphne Wright. je pénétre dans la grande salle du rez-de-chaussée, je tombe nez à nez avec la sculpture d’un singe posé sur un socle blanc de forme rectangulaire, étendu sur le côté, la gueule paisible, semblant dormir…

La folie triste de Mondrian
Plagiée par les publicitaires et les stylistes, pour son côté pop et peps, l’oeuvre abstraite de Piet Mondrian, avec ses carrés de couleurs primaires sur fond blanc, est l’une des plus célèbre de l’art moderne. Grâce à une rétrospective subtile et intelligente, le Centre Georges Pompidou nous permet de redécouvrir la genèse et l’évolution compliquée d’un artiste qui fut à l’origine du premier grand mouvement pictural du XXe siècle.

Montrez ce sein que je ne saurais voir…
Des vagins. Un pénis. Des tétons. La pornographie peut aussi se faire tactile et ainsi être effleurée par un public non-voyant. Les caresses deviennent une investigation sensuelle. Le plaisir se trouve alors au bout des doigts. Lisa J. Murphy, une photographe canadienne, a eu l’idée de créer un livre dont l’imagerie érotique en plastique thermoformé invite à une découverte manuelle. Dix-sept pages composent cet ouvrage. Dix-sept pages où défilent des « Seins parfaits », un « Vagin épilé » ou encore une « Femme avec un harnais-godemiché ». Dix-sept pages faites à la main, travaillées dans les moindres détails et enrichies de textes en Braille. Les seins en forme de poire, les hanches épanouies, les ventres arrondis, tout a été approuvé par le relecteur aveugle de Lisa J. Murphy. De quoi légitimer cette démarche artistico-philanthropique dont l’objectif avoué est de ne plus laisser les aveugles en dehors de la sexualisation galopante du monde qui les entoure…

C’est dans le jardin clos de l’hotel Amour, que je rencontre l’artiste Joana Preiss. Actrice, chanteuse, danseuse, égérie de la maison Balenciaga et maintenant réalisatrice, Joana se conjugue au pluriel.
Avec Harmonie, Joana s’amuse telle une muse…
Elle se multiplie à travers les arts, s’engage et pratique de façon pluridisciplinaire sans jamais déroger sur sa liberté…

Artiste, autant adulé que controversé par ses pairs, ses aptitudes artistiques s’inscrivent dans une pluralité, un laboratoire permanent relayé par un questionnement continu, c’est un être doté d’un élan intuitif et exclusivement passionné…
Il filtre l’air du temps pour en extraire une pureté d’une étendue illimitée. Respirer, s’abandonner…
Comme il le dit si bien en anglais « surrender »
L’abandon est t-il capable de nous porter vers une médiation réflective?

Soeurs dans la vie et fusionnelles dans leur démarche de mode, ces deux jeunes créatrices Belges au nom Oedipien se racontent au fil des questions avec la fougue et l’enthousiasme des débuts.

Etats-Unis, printemps 1970. Un jeune activiste Danois débarque du Canada avec 40 dollars en poche et l’intention de rejoindre en stop la révolution démocratique de Salvator Allende au chili.sciné par les manifestations anti Vietnam et choqué par les différences sociales qu’il rencontre, Jacob Holdt tombe amoureux du peuple Américain.

IL a jeté ses chaines
Et je suis devenue son jouet,
Sa chose,
Sa chienne…

« C’est en rentrant dans l’objet qu’on rentre dans sa propre peau. » Disait Matisse… Alors il est tout à fait possible que dans ces pages quelques choses vous appartiennent déjà…